?

Log in

No account? Create an account

видео Традиция и революция в изобразительном искусстве

Aug. 19th, 2014 | 02:22 am

Появился повод залить сюда своё небольшое творение а именно, - видюшечку где рассказываю о развитии живописи начиная с открытия масляных красок

https://www.youtube.com/watch?v=kNOHDMtS2fE

-

Link | Leave a comment {5} | Share

видео Традиция и революция в изобразительном искусстве

Aug. 19th, 2014 | 02:20 am

Появился повод залить сюда своё небольшое творение а именно, - видюшечку где рассказываю о развитии живописи начиная с появления масляных красок

https://www.youtube.com/watch?v=kNOHDMtS2fE

Link | Leave a comment | Share

О новых работах 2013

Apr. 19th, 2013 | 04:29 am

Итак,

творческий путь продолжается и я бы хотел оставить здесь несколько слов о том, чем я сейчас занимаюсь.
Где-то с середины 2012 года неожиданно для себя решил попробовать сделать несколько работ в жанре пейзажа. До этого я работал больше в жанре портрет, фигуратив. Почему неожиданно, - это связанно с тем что, я принципиально выбрал для себя именно фигуратив как один из сложных жанров в искусстве, и решил развиваться в этом направлении. Вот к примеру одна из работ того же 2012 года

"Девушко-из-за бугра" холст масло




А в пейзажах я решил покопать новые для себя возможности колорита и мазка. А также пейзаж неплохо развивает композициональные способности художника.


2013


"Плывущий песок" холст масло



Из своего творчества мне мало чего нравится. Автору всегда видны ошибки и недочёты своего произведения, здесь не работает такая тема как "нравится/ не нравится". Но этой работой я практически абсолютно удовлетворён, что бывает редко. Здесь та история когда сбылось то что хотел увидеть сам автор. Пожалуй эта картина останется одной из моих любимых. И хоть свои творения трудно любить, но их надо любить, иначе нет стимула работать дальше. Суть этой картины такова - "Приятнейшее одиночество". Бывают ведь такие моменты когда человеку просто приятно побыть на едине с собой, и насладиться внутренним диалогом/монологом. Эта картина об этом. Самое неприятное, это когда после написания картины понимаешь что она "ни о чём". Но эта картина если уж даже мне говорит о чём-то, то я уверен, что остальным она скажет в разы больше.

И ещё две работы:

"Gateway" холст масло



здесь я думал об абстрактном экспрессионизме, и возможно что-то у меня получилось.

и другая "Вид с деревом" холст масло



В этой работе я решил побыть ребёнком и просто помалевать, но размеется, помалевать не без учёта накопленного опыта. Вживую смотрится довольно свеженько, а если учитывать что большинство моих работ очень сдержаны и минимальны по колориту, то эту можно выделить. Интересно что в разное время дня её колорит менятся настолько, что например вечером она будто начинает говорить совершенно о другом, чем о том что говорила утром. Или это моё восприятие. Так или иначе я решил оставить её как получилась, хотя были мысли поработать либо над жёлтыми пятнами либо над зелёными. Соотношение этих двух тонов в данной работе меня то ли смущает то ли удовлетворяет, пока не могу прочувствовать категорично. А вот остальные соотношения вполне приемлемы, даже есть интересные моменты.

На этом покамест всё. Работа продолжается и мне больше нечего сказать о себе. В ближайшее время продолжу освещать творчество ТОП100 20 го века    

Link | Leave a comment {8} | Share

Моя скормная лепта в Contemporary Art

Mar. 6th, 2013 | 07:51 pm

Я вот думал всё о том... что бы мне такого написать на холсте чтобы люди сказали - да, это современное искусство называемое Contemporary Art. И пришёл к выводу что портить холст нет смысла, к тому же современное искусство более идейное, так холст с красками тут собственно и ни к лицу. Вот и родилась идея о которой я расскажу ниже.
Это моё произведение в духе Contemporary Art, оно абсолютно бесплатное, я дарю его всем и каждому. Изюминкой данного "концептуального произведения" будет являться скажем.. то что запятые будут расставлены не везде и не всегда правильно. Но я скажу откровенно - просто я не грамотей в запятых да и вообще писатель (или художник.. ну в общем неважно) из меня хилый.

___________________________

Не знаю кто выдумал термин Contemporary Art, думается он родился в США, но дословный перевод выглядет так: Con - жульничество, Temporary - временное. Это не выдумка, а простой англо-русский перевод. Думаю многим людям конечно известен эффект временного успеха который достигается способом называющимся "промывание мозгов".

Те кто гордо носят ЗВАНИЕ родителей данного термина кажется и не догадываются о том что они оказались более чем смышлёнными. Смышлёнными но непонятно в каком смысле. Здесь мне кажется тот случай когда человек врать не умеет... Сам по себе термин уже видимо явился произведением искусства, ведь он наиболее полно отражает суть того что сейчас называют Contemporary Art. И вопрос не в том, почему такие большие цены за "ничто" или что-то в этом духе, вопрос в том, как долго будет продолжаться промывка мозгов. Не берусь прогнозировать точно, но думаю 2 поколения CA ещё способен выдержать...

А вы как думаете? Сколько ещё протянет Contemporary Art?

____________________________

произведение я оставил слегка незаконченным, чтобы зритель мог продолжить его благодаря своему воображению

Link | Leave a comment {3} | Share

Рафаэль Сойер (american artist)

Mar. 4th, 2013 | 11:42 am

Знаменитый американский художник Рафаэль Сойер (Raphael Soyer) родился 25.12.1899 г. в г. Борисоглебск, Тамбовской губернии. Умер 1987 г в Нью Йорке, США.

В начале XX века в городе Борисоглебске Тамбовской губернии жила еврейская семья Сойеров, в которой было два брата - Рафаэль и Мозес. Близнецы родились 25 декабря 1899 года. После очередного еврейского погрома в 1912 году семья Сойеров бежит за границу из «гостеприимной царской России». В 1913 году Сойеры попадают в США. Жизнь и там медом не казалась, но все же Рафаэль и его брат с 1914 по 1917 год обучаются в частной художественной школе в Нью-Йорке. Какой ценой доставалось родителям это обучение, остается только догадываться. Мозес Сойер, как и младший из братьев,Исаак становятся в дальнейшем хорошими художниками. Но слава их не идет ни в какое сравнение со славой Рафаэля.



Bust-of-Woman-in-Black-Dress



Рафаэль Сойер с 1918 по 1922 год обучается живописи в американской Академии искусств у педагога-художника Ги Пэна дю Буа.
Биография Рафаэля Сойера как две капли воды похожа на биографию любого эмигранта всех времен и народов: разносчик газет, почты, уборщик и мойщик посуды в ресторане, рабочий на фабрике или заводе. Но все эти годы он не забывает кисти и краски. Рисует постоянно. В то время,когда в США в основном развивается авангардное искусство он остается одним из немногих приверженцев реализма. Коммерческим успехом реалистические картины в то время не пользовались. Было очень трудно жить.Средств постоянно не хватало.

В 1929 году тридцатилетний художник становится одним из учредителей «Клуба Джона Рида». В этом же году Сойер проводит свою первую персональную выставку сперва в клубе, а потом в одной из картинных галерей в Нью-Йорке.

В конце 20-х годов Рафаэль Сойер подружился с художником - эмигрантом из России Давидом Бурлюком. Их сближало многое - и тяжелая эмигрантская доля, и безденежье и т.д. Но в большей степени их сближали творческие поиски. Давид Бурлюк был художником-авангардистом. Но полученное им в России хорошее художественное образование,основанное на классических традициях в живописи, постоянно напоминало о себе. Многие работы Д. Бурлюка, особенно его портреты выполнены практически в «реализме».В то время в Америке в реалистической манере работало очень мало художников. Все это очень сблизило Бурлюка и Сойера.


soyer



Еще им было принято вспоминать о родном тамбовском крае - ведь Давид Бурдюк несколько лет проучился в гимназии в Тамбове. Дружба эта связала их на всю жизнь. Рафаэль Сойер много помогал Давиду Бурлюку, выставлял в своей галерее его работы, всячески пропагандировал его творчество. Был его «промоутером», представляя его коммерческие проекты.

С 1932 года. Рафаэль Сойер становится известным художником. Его картины, отражающие жизнь американских городских окраин и рабочих кварталов, портреты приобретаются знаменитыми музеями и картинными галереями. Сам себя Рафаэль Сойер называет «нью-йоркским художником». Он даже скрывает свое религиозное происхождение и идентифицирует себя, как американца и регионалиста. В 30-е годы он становится коммунистом. Многие работы его 30-40 -х годов остро социальны. Но с конца сороковых годов Р. Сойер отходит от социальной тематики. Он пишет портреты людей своего окружения, членов еврейской общины и сцены из американской жизни с психологическим «уклоном».


Raphael-Soyer-xx-Lady-in-Red-Blouse-xx-Unknown


Рафаэль Сойер восхищался творчеством художника Дега, находил его творчество очень внутренне родственным своему. С 1961 года Рафаэль много путешествует и выпускает не одну книгу со своими рисунками.
В 1970-е годы он начинает иллюстрировать книги И.Б. Сингера (I.B.Singer).

Умер Рафаэль Сойер в 1987 году в Нью-Йорке. Его картины представлены в музее «Метрополитен» в США и многих галереях и частных коллекциях... О творчестве Рафаэля Сойера издано много книг и альбомов. Однако работы нашего знаменитого во всем мире земляка практически не известны широкой публике у нас.

d5233972l

http://www.kraeved.ru/nash-zemlyak-znamenityi-amerikanskii-khudozhnik

Link | Leave a comment | Share

Пер Киркеби (danish artist)

Feb. 25th, 2013 | 09:54 pm

Вообще к абстрактному искусству я отношусь как к детским игрушкам, но этот художник явное исключение. В его работах есть индивидульность, техника, настроение и главное жизнь. Киркеби вливает в картины чёткий самобытный мир, в котором присутсвует тонкая но насыщенная энергией вдохновения атмосфера. Да, надо признать, его картины сильные.

Заодно я выскажу своё мнение по поводу абстракционизма. В ключе абстрактного языка художник если говорить в целом использует самые примитивные инструменты, это: пятно, точка и линия. Основное внимание уделяется колориту. Здесь пожалуй, решает "цвет", а также такой опыт как композиция. В абстрактном искусстве практически всё зависит от вдохновения, понятно, что техника роли не играет, а мысли о ней даже мешают.

Что касается индивидуальности, отличительных черт, то тут художник их утрачивает более чем в каком-либо другом направлении. Почему так? Есть несколько причин и фактов. Абстрактное искусство большей частью идёт из подсознания, и того стереотипного мышления которое есть у каждого человека, а человек который назвал себя художник, в любом случае остаётся человек примерно таким же каково его окружение, если конечно этот человек полностью не теряет связи с реальностью. В итоге получается что основная масса абстрактного искусства имеет между собою немного различий. Например нередки случаи когда художники абстракционисты проживающие в разных странах, создают примерно одни и те же образы, а потом столкнувшись друг с другом, выражают восхищение подобным феноменом (хотя иногда дело опускается до взаимных обвинений в плагиате)... ну ещё пример, не раз встречал людей которые путали Миро и Кандинского (хотя Миро ближе сюрреалистам)... в общем суть в том, что абстракционистов между собой спутать вполне так нормально


ну а что касается данного художника, то его трудно с кем-то спутать


aaa


(1938 г. Копенгаген ) датский художник


1a


Киркеби по образованию — геолог. В 1957—1964 годах он обучается в Копенгагенском университете. В 1958 году участвует в экспедиции в Гренландию. В 1962 году вступает в авангардистскую художественную группу «Den Eksperimenterende Kunstskole», где увлекается графикой, кино и инсталляциями. В 1965 году художник получает 3-хгодичную стипендию от «State Art Foundation». В 1971 году Пер Киркеби уезжает в Центральную Америку, где изучает культуру майя.



artwork_images_181716_651793_per-kirkeby



В дальнейшем мастер сотрудничает с такими художниками, как Йозеф Бойс, Нам Джун Пайк, Хеннинг Христиансен; работает в короткометражном кино. В период с 1968 по 1989 год Киркеби выпускает 24 фильма, в которых чувствуется влияние Энди Уорхола.

В начале 70-х годов ХХ века Киркеби отходит от поп-арта и обращается к информализму, который прежде жёстко критиковал. В 1973 году он создаёт «Дом» — свою первую скульптуру из кирпича. К 1974 году относятся его первые картины, написанные маслом. В начале 80-х годов создаёт также первые свои скульптуры из бронзы. В 80-е годы художник работает над рядом крупноформатных масляных полотен и кирпичной скульптурой.



Per Kirkeby 3



В 1980-е годы П.Киркеби принимает участие в нескольких выставках абстрактного искусства, участвует в ряде венецианских биеннале, в выставках современного искусства документа 7 и 9 в немецком городе Касселе. В 1987 году П.Киркеби награждается медалью Торвальдсена.

В настоящее время художник живёт и работает попеременно в Дании, Германии и в Италии.

Link | Leave a comment | Share

Роланд Брукс Китай (english artist)

Feb. 22nd, 2013 | 08:31 pm

8487e51a-d91c-4486-b8f0-d16bf9998b55



Ronald Brooks Kitaj (1932 – 2007)

Родился в Америке, но большую часть жизни прожил в Англии.
До поступления в Королевскую академию искусства Китай много путешествовал (был моряком торгового флота, затем служил в армии США). Его широкий культурный кругозор создал ему авторитет среди современников, чему способствовала его приверженность реалистическому искусству, вопреки преобладавшему тогда абстракционизму. После посещения Парижа в 1975, вдохновленный работами Эдгара Дега, он во многих своих последующих работах использовал пастель. В отличие от большинства художников поп-арта, Китай сравнительно мало интересовался массовой культурой, вырабатывая свой собственный живописный язык, впитавший широкий диапазон живописных и литературных источников. Для его работ характерны широкие пространства лоакальнного цвета внутри строгих форм, создающим эффект, сходный с комиксом.




kitaj.if-not-not



В 1976 году Китай организовал выставку живописи и рисунка, озаглавленную «Человеческая глина». Помимо работ самого Китая, в экспозицию вошли работы Леона Коссоффа, Фрэнка Ауэрбаха, Майкла Эндрюса, Люсьена Фрейда, Фрэнсиса Бэкона и других художников, которые объединились в «Лондонскую школу». Выступив против того, что он определил как «провинциальный и ортодоксальный авангардизм», Китай ратовал за фигуративное искусство.



kitaj_issaac_babel_big



Стал в 1991 году членом Королевсокой Академии художеств. Предыдущим американцем, удостоенным этой чести был Джон Сарджент (1856—1925). В 1995 году получил Золотого льва на Венецианской биеннале.



kitaj-rise-of-fascism

Link | Leave a comment {1} | Share

Уилям Меррит Чейз (american artist)

Feb. 19th, 2013 | 08:53 pm

Если посмотреть внимательно на некоторые его работы, то можно увидеть что техника исполнения в этих работах небрежная, но очень точная, что свойственно большим мастерам



Уильям Меррит Чейз (англ. William Merritt Chase 1849 - 1919)

726px-Self_Portrait_William_Merritt_Chase



Чейз изучал живопись в 1872—1878 годах в Мюнхене, в местной Академии художеств, затем жил в Нью-Йорке, где у него была художественная мастерская. Преподавал рисование в частной Летней школе Шиннекок-Хиллс на Лонг-Айленде. Был также педагогом в пенсильванской Академии изящных искусств в период с 1896 по 1909 год, в Художественной студенческой лиге (1878—1896, 1907-11). Наряду с Робертом Генри, Чейз являлся известнейшим преподавателем живописи в США на рубеже XIX—XX столетий. Среди его учеников были такие мастера, как Фрэнк Дювенек, Эдвард Хоппер, Рокуэлл Кент, Лоутон Сайлас Паркер, Джон Генри Твахтман, Ирвинг Рамзи Уайлз и другие.

Чейз является одним из основоположников американского импрессионизма, создававшим свой импрессионистский стиль живописи. Своими работами мастер добился как материального успеха, так и признания художественной критики. Писал преимущественно портреты, пейзажи и натюрморты. Работал маслом, также автор акварелей и офортов. Член Национальной Академии дизайна, в 1885—1895 — председатель Общества американских художников. Член импрессионистской группы Десять американских художников.




making-her-toilet



Chase_William_Merritt_Meditation_1885



William_Merritt_Chase_CHW006



w7 William Merritt Chase (1849-1916) Mrs William Merritt Chase (Alice Bremond Gerson) in a White

Link | Leave a comment {2} | Share

Жак Вийон (french artist)

Feb. 17th, 2013 | 12:34 pm

Ж.Вийон (фр. Jacques Villon, наст. имя Гастон Эмиль Дюшан) родился в многодетной семье нотариуса. Он был старшим братом известных художников Раймона Дюшана-Вийона, Марселя Дюшана и Сюзанны Дюшан. После окончания школы Ж.Вийон изучает в Руане право и затем некоторое время работает нотариусом. В 1894 году он покидает Нормандию и приезжает в Париж, где поступает в Высшую школу изящных искусств. В том же году он меняет имя на псевдоним, принятый им в честь любимых им авторов — А. Доде и Ф. Вийона. В 1894—1906 годах художник как карикатурист сотрудничает с различными парижскими газетами и журналами (например, с Gil Blas, Chat Noir и L’Assiette au beurre). Кроме этого, он создаёт ряд плакатов в стиле Тулуз-Лотрека — за период с 1899 по 1909 он выпускает 60 цветных плакатов.

В 1910 году Ж.Вийон переезжает в небольшой городок Пюто под Парижем, гже живёт уже до конца своей жизни. Здесь он создаёт около 700 полотен. В 1913 году художник принимает участие в знаменитой нью-йоркской выставке современного искусства — Эрмори-шоу. В 1910 он становится одним из создателей группы художников-кубистов Пюто. В 1912 Ж.Вийон, совместно с такими мастерами, как Марсель Дюшан, Хуан Грис, Франсис Пикабиа и Альбер Глез, организует кубистскую группу Золотое сечение (Section d’Or).

После окончания Первой мировой войны Ж.Вийон увлекается графическим искусством, однако не оставляет и живопись. В 1919 году появляются его первые абстрактные работы. В 1940—1960-е годы художник много занимается книжным иллюстрированием.

Ж.Вийон известен прежде всего своими графическими работами. Он является ярким представителем кубистского направления в искусстве, в то же время в его произведениях также ощутимы влияния как импрессионизма, так и футуризма. Художник участвовал в выставках современного искусства documenta I (1955), II (1959) и III (1964) в Касселе. Его картины были отмечены многочисленными премиями — так, он был награждён I призом премии Карнеги в Питтсбурге (1950), в 1956 году он получил Большой приз на венецианском биеннале. В 1954 году ему было присвоено звание Командора ордена Почётного легиона.

1



VILLON - Autre Temps Retake



Villon_Jacques-Self_portrait


Хотя Вийон больше известен своими кубистскими произведениями, но кубизм я не считаю серьёзным направлением в искусстве, и здесь я подобрал его работы в духе Тулуз-Лотрека.

Link | Leave a comment {2} | Share

Нэнси Сперо (american artist)

Feb. 15th, 2013 | 07:17 pm

Нэнси Сперо (англ. Nancy Spero, 24 августа 1926, Кливленд — 18 октября 2009, Нью-Йорк)

Выросла в Чикаго, куда семья переехала в 1927. Закончила художественную школу при Чикагском институте искусств (1949), где познакомилась с Леоном Голубом, за которого позднее вышла замуж. Продолжила учебу в Школе изящных искусств в Париже и в частной мастерской Андре Лота. Вернулась в США в 1950. Выставлялась вместе с группой Чикагских имажистов.


Nancy_Spero1


В 1956—1957 работала с мужем в Италии, где увлеклась римскими фресками и искусством этрусков, в 1959—1964 — в Париже, где в 1962, 1964 и 1968 прошли ее персональные выставки.

Являлась соучредительницей первой в Сохо галереи женского искусства A.I.R. (Artists in Residence)[1].

Позднее ее экспозиции проходили в МОМА в Нью-Йорке, музеях Вашингтона, Бостона, Чикаго, Лос-Анджелеса, Кортрейка, Мальмё, Барселоны, Сантьяго-де-Компостела, Лондона, Бирмингема, Хиросимы, Национальной галерее Канады, Центре Жоржа Помпиду и др.

Выступала как деятель антивоенного, правозащитного и феминистского движения. С конца 1960-х отказалась от понятия «холст», «картина», создавая некие подобия рукописных и живописных свитков, чаще всего — гигантских размеров, и придавая изображениям характер своеобразных иероглифов. Среди них — циклы «Artaud Paintings» (1969—1970) и «Codex Artaud» (1971—1972), которые были посвящены Арто и шли в своей изобразительной манере от его рисунков и полотен. Также занималась настенной живописью, практиковала инсталляции.


nancy-spero-0001


nancy-spero-001


Spero-Black-and-the-Red-III-3

Link | Leave a comment | Share